SIN ESPERANZA. Frida Kahlo

FICHA TÉCNICA

Título de la obra: Sin esperanza
Autor: Frida Kahlo
Cronología: 1945
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Ubicación: Museo Dolores Olmedo Patiño, Ciudad de México, México

ANÁLISIS ICONOGRÁFICO

Sin esperanza (1945) es un cuadro de pequeñas dimensiones (28x36 cm) y a la vez uno de los más potentes y perturbadores de la producción de Frida Kahlo. Representa un banquete de la muerte, donde vemos a la artista reposada en la cama mientras sustenta un enorme embudo, apoyado en su boca, del cual rebosa una mezcla putrefacta de carne y pescado, coronando toda esta masa de comida vemos una calavera de azúcar. De esta manera nos muestra la muerte representada en la putrefacción de los alimentos, culminando con la calavera -también típica del folklore mexicano- símbolo directo del fin de la vida.

Cuando realizó esta obra casi no comía, lo que la llevo a perder una gran cantidad de peso y verdaderamente fue alimentada con un embudo ya que ella se negaba a comer. De manera que, Kahlo, una vez más nos muestra un momento de su cotidianidad representando sus impresiones del día a día en unas dimensiones monstruosas.

Es de especial interés la inscripción que realizó a mano en el reverso del cuadro donde leemos:
A mi no me queda ya ni la menor esperanza… Todo se mueve al compás de lo que encierra la panza.


ANÁLISIS FORMAL

El rostro de la pintora tiene una clara expresión de sufrimiento y mira directamente al espectador, con los ojos llenos de lágrimas, implorando ayuda. La colcha de la cama que la cubre se asemeja a un sudario y está decorada con interesantes diseños circulares. Estos estampados han sido interpretados como óvulos o células sin fecundar o bien, como dijo Hayden Herrera, en relación con el Sol y la Luna, presentes también en el cuadro, sería un mundo microscópico frente a la grandeza del Sistema Solar.

Si analizamos la Luna, esta preside uno de los lados del cuadro en simetría con el Sol que se encuentra al otro lado, este satélite ha sido interpretado como el dolor de la propia Frida, el cual era persistente incluso en las horas de descanso; o bien puede ser leído como un motivo femenino incluso como símbolo de la fragilidad de Kahlo. El Sol tiene un gran papel en la composición, ya que pone de relieve las influencias del arte precolombino en la obra de la artista, donde el culto al sol es muy relevante. Muchas veces lo utiliza como referencia a la energía, pero en este caso podría interpretarse como referencia a Diego Rivera, su compañero y marido durante años. Finalmente, el fondo de la composición muestra un paisaje desértico, seco, donde puede leerse una alusión a su infertilidad y falta de descendencia.


CONTEXTO Y SITUACIÓN SOCIAL

El estilo minucioso de Kahlo, la integración de yuxtaposiciones y su habilidad para hacer que lo común fuera extraordinario hizo que sus obras se catalogaran como surrealistas por parte de muchos  artistas y críticos de arte. Pero la artista siempre rechazó esta afirmación, ella afirmaba que pintaba su realidad personal no sus sueños.

Así se nos presenta Frida Kahlo, como un espíritu libre. Con el paso de los años, su imagen y presencia en el panorama artístico fue particularmente escasa, pero sin duda fue una artista que llevo la estética más allá de los cánones tradicionales de belleza y consiguió un estilo propio metamorfoseando la propia imagen de la realidad.

Actualmente, y especialmente a partir de la década de 1980, se recuperó su nombre y obra en el contexto de la revalorización del trabajo de las mujeres artistas por parte del movimiento feminista. Hoy día, es admirada por su pasión y por la originalidad de su producción, además de su gran y fuerte espíritu que le permitió sobrellevar una vida de sufrimiento y que la ha convertido en símbolo de superación y perseverancia.

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«A mí no me queda ya ni la menor esperanza… Todo se mueve al compás de lo que encierra la panza”.

Esta es la frase devastadora que Frida escribió detrás de este cuadro en el que se la ve recostada en su cama (elemento omnipresente en su obra), desnuda y cubierta por una sábana, con lágrimas en los ojos y vomitando (¿consumiendo?, ¿gritando?) una masa monstruosa de animales muertos en forma de embudo, la que se encuentra sostenida por un caballete, coronada por una calaverita de azúcar que lleva el nombre de la artista en la frente.

La mirada sufriente de Frida está dirigida directamente al espectador, suplicando ayuda, comprensión, una ayuda que sus manos aprisionadas e inmóviles no pueden concederle.

En su libro “Frida Kahlo, the paintings”, la historiadora de arte estadounidense Hayden Herrera sostiene que las formas circulares de la sábana son células y óvulos sin fecundar, que encuentran su eco en la luna y el sol que brillan sobre el paisaje yermo en el que transcurre la escena. Así, el sufrimiento de Frida se extiende desde el microcosmos al macrocosmos. Todo es dolor y desolación, no hay oportunidad para que surja la vida, el dolor reina de día y de noche, con la luna y con el sol. No hay esperanza.

La obra muestra cómo vivió Frida la prescripción médica que ordenaba que la artista tenía que comer puré cada dos horas, para recuperar el peso que había perdido en esa época de su vida, fruto de las dolencias físicas que la aquejaron toda su vida. Como ella se negaba a comer, se la tuvo que alimentar literalmente a través de un embudo. El puré se transformó, para ella, en una masa repugnante de animales muertos, tan pesada que debía ser sostenida por un caballete, el mismo que le permitía pintar.

“Sin esperanza” es uno de los cuadros de Frida Kahlo que forma parte de la colección del Museo Dolores Olmedo.

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